AaltoMobil: von den Proben bis zur Aufführung

„Wien. Wolfgang Amadeus Mozart starb am 5. Dezember[…]“. Das war der Satz, welcher mit einer tiefen Stimme in meinem Kopf hängen geblieben ist. Dieser Satz stammt aus einer AaltoMobil Produktion, welche „ Mozarts phonetischer Fingerabdruck“ heißt.

Schon zu Anfang meiner Praktikumszeit wurde ich in die Proben von AaltoMobil miteinbezogen. Es war der erste Tag und ich durfte bei den Proben zuschauen. Ich hatte kleine Aufgaben, die ich machen durfte wie zum Beispiel aufschreiben, was man verbessern könnte an diesem Stück sowie das Einrichten der Requisiten. Das Stück hatte eine nicht so ganz große Besetzung (So sah es zumindest aus), aber dennoch war es sehr unterhaltsam. Es gab drei Sänger*innen und ein Streichquartett, welche alle sehr nett rüberkamen. Das Stück an sich hatte etwas Witziges und Dramatisches.

Am nächsten Tag waren nur die Darsteller*innen da, die szenisch proben mussten. Da hat man gemerkt, was für einen großen Unterschied es macht, wenn die Musik da ist und wenn sie fehlt. Ohne die Streicher war die Probe irgendwie leer, als wenn etwas fehlen würde.

Spannender wurde es meiner Meinung nach bei der Generalprobe, welche am Donnerstag, 9. Juni 2022 stattgefunden hat, denn sowohl die Streicher*innen als auch die Sänger*innen waren sehr aktiv dabei. Die Musiker*innen haben das Stück und die Musik gefühlt, während die Darsteller*innen voll und ganz in ihre Rollen geschlüpft sind. Die Schauspieler*innen waren so sehr in ihre Rolle, dass manchmal etwas gemacht wurde, was so nicht eigentlich geplant war. Mit anderen Worten: Sie haben manchmal improvisiert, ohne dass sie es merkten. Somit wirke das Stück noch authentischer.

Dann kam der Tag der Aufführung: am Freitag, 10. Juni 2022 war die Premiere des Stückes „Mozarts phonetischer Fingerabdruck“. Das Problem ist nur, dass ich nicht da war :-(. Aber am Montag, 13. Juni, war ich dabei. Da wurde das Stück zweimal in einem Altenheim aufgeführt. Im ersten Durchgang war ich als Fotografin zuständig. Ich musste (gute) Fotos machen, damit sie vielleicht irgendwo veröffentlicht werden :-). Beim zweiten Durchgang saß ich als Zuschauerin dabei.

Der dritte Aufführungstag war in einem anderen Altenheim und auch da war es meine Aufgabe, Fotos zu machen. Da die Spielfläche in den Altenheimen anders aufgebaut war, gab es mal gute, mal schlechtere Fotos. Auch nach den Aufführungen beider Tage habe ich beim Einrichten und Aufräumen mitgeholfen.

Das Stück dauert circa eine Stunde und diese war überhaupt nicht langweilig, denn sie wurde mit ästhetischen Mitteln, Stücken von den Streicher*innen und dem Gesang der Darstellenden gefüllt. Es wurde mal leiser, mal lauter, dann traurig und witzig und glücklich. Bei den Aufführungen waren die Leute im Altenheim sehr begeistert. Wie ich mitbekommen habe, haben auch die älteren Zuschauer mitgeklatscht in einer Szene. Das sah sehr lebendig und zufrieden aus. AaltoMobil war anders als ich gedacht habe. Das war eine gute und interessante Abwechslung, da ich auch abseits des Theaters mein Praktikum verbringen konnte und ich sehen konnte, wie auch außerhalb des Theaters Menschen durch eine Aufführung Begeisterung und Freude zeigen. Das AaltoMobil bedeutete zwar etwas Hin- und Herlaufen, aber an sich war es entspannt und eine gute Zeit, auch wenn ich als Person etwas zurückhaltender bin. Man braucht halt seine Zeit, um sich an eine Situation zu gewöhnen 🙂

________________________________________________________________________________________________________________

Autor:

Valeria hat ein zweiwöchiges Schülerpraktikum in der Theaterpädagogik absolviert und berichtet von ihren Erlebnissen am Aalto-Theater. Außerdem war sie Teilnehmerin des Tanz-Workshops im Rahmen des Schulprojekts AkzepTANZ in den Schuljahren 2019/2020 und 2020/2021.

Mein „Yesterdate“-Vorstellungsbesuch

Am Freitag, den 14. Januar 2022, war ich zum ersten Mal in einer Aufführung von „Yesterdate – Ein Rendezvous mit den 60ern“ und ich muss sagen ich war sehr begeistert.

Zu Beginn der Vorstellung war ich sehr aufgeregt, weil ich im Büro der Theaterpädagogik schon einiges an tollen Dingen mitbekommen hatte. Ich habe mich ziemlich auf die „Partystimmung“ gefreut [Anm. d. Red.: wie die WAZ am 10. Februar 2020 versprochen hat] und auf die Lieder, wie zum Beispiel: „Für mich soll’s rote Rosen regnen“, gesungen von Marie-Helen Joël oder „Schuld war nur der Bossa Nova“, gesungen von Christina Clark.

Beide verzauberten nicht nur mich mit ihren wunderschönen Stimmen, sondern das gesamte Publikum, welches völlig begeistert war.

Aber nicht nur Marie Helen Joël als „Bärbel“ und Christina Clark als „Penny“ rissen uns mit ihren tollen Stimmen und ihren Performances mit, sondern auch Brigitte Oelke als „Gunda“, Thomas Hohler als „Alexander“, Ruud van Overdijk als „Lutz“, Alexander Franzen als „Rolf“ und Henrik Wager als „Kenneth“. Zusammen gaben sie ein sehr tolles Team ab, das gemeinsam die Bühne gerockt hat! – Und uns alle zurück in die 60er Jahre geschickt hat.

Das Publikum hatte sehr viel Spaß, genauso wie ich. Meine Augen haben gestrahlt, weil ich so beeindruckt davon war, dass alle – egal ob Groß oder Klein, Jung oder Alt – Spaß hatten. Es sind wirklich alle aufgestanden und haben mitgeklatscht und mitgetanzt.

Davon mal abgesehen, dass sich die Künstler*innen so den Hintern abrackern und so viel Arbeit in Yesterdate“ reinstecken (oder generell auch in andere Stücke), schaffen sie es außerdem, uns in diesen schwierigen Zeiten zum Lachen zu bringen.

Es war ein sehr schöner Abend!

Wenn mich jemand fragen würde, was das Schönste war, dass ich am Anfang des Jahres erlebt habe, dann würde ich vermutlich antworten: „Mein Praktikum und als ich im Aalto-Theater in der Show ‚Yesterdate‘ war“.

________________________________________________________________________________________________________________

Autor:

Ciara hat ein dreiwöchiges Schülerpraktikum in der Theaterpädagogik absolviert und berichtet von ihren Erlebnissen am Aalto-Theater. Außerdem ist sie Teilnehmerin des Szenen-Workshops im Rahmen des Schulprojekts AkzepTANZ.

Interview mit der Sängerin Christina Clark

Christina Clark ist Opernsängerin am Aalto-Theater. Sie singt nicht nur in Opern, sondern singt und spielt (unter anderem) auch bei „Hexe Kleinlaut“-Produktionen, der „Teatime“ oder der Musical-Revue „Yesterdate“ mit.

Wie und warum sind Sie an die Oper gekommen?

Ich habe in Amerika Gesang studiert und wollte Opernsängerin werden. Und dann bin ich guten Weges nach Deutschland gekommen und habe dann hier vorgesungen, weil hier eine Stelle frei war. Die Frau, die hier gearbeitet hat war schwanger, daher war ich am Anfang eine Schwangerschaftsvertretung. Und dann bin ich hier geblieben.

Wann haben Sie angefangen im Aalto-Theater zu arbeiten?

Vor über 20 Jahren habe ich hier angefangen.

Wollten Sie schon immer Sängerin werden oder wollten Sie auch mal was anderes werden?

Als ich klein war wollte ich, dass mich meine Eltern nach Hollywood fahren und wollte ein Movie Star werden. Tja, das haben sie nicht gemacht. Ich war sehr enttäuscht (Hahahahaha). Singen wollte ich aber schon lange! Dass ich Opern singen wollte – dieser Wunsch kam erst durch meine erste richtige Gesangslehrerin auf. Da war ich dann schon 16 oder 17 Jahre alt.

Was hat Sie dazu gebracht bzw. inspiriert Opernsängerin zu werden?

Ich muss ganz ehrlich sagen, dass das meine erste Gesangslehrerin war, die mich in diese Richtung gelenkt hat, weil sie selbst Opernsängerin war. Wenn ich jemand anderes gehabt hätte, dann wäre ich womöglich in eine andere Richtung gegangen. Vor meinem 18. Lebensjahr hatte ich tatsächlich noch keine Oper gesehen. 

Gibt es Bereiche in denen Ihr Beruf Sie einschränkt?

Ja, denn meine Arbeitszeiten sind ziemlich speziell. Wir arbeiten immer vormittags von 10:00 Uhr bis 14:00 Uhr und dann abends von 18:00 Uhr bis maximal 22:00 Uhr und das ist nicht besonders familienfreundlich.

Was waren bis jetzt Ihre Lieblingspartien, die Sie auf der Bühne gesungen haben?

Das ist eine sehr schwierige Frage… Ich weiß nicht, ob ich es nur auf eine Rolle reduzieren könnte. Ich habe meistens das Glück, dass das, was ich in dem Moment mache, zeitgleich in dem Moment auch meistens mein Lieblingsstück ist. Aber auf eine Rolle, auf die ich sehr gerne zurückblicke, ist die Partie der Susanna aus „Le Nozze di Figaro“ (Die Hochzeit des Figaro). Das ist eine unglaublich tolle Rolle für mein Stimmfach, weil die Figur eine Wandlung durchmacht. Sie ist sehr vielseitig: Sie ist echt, klug, lustig. Sowas mag ich total gerne.

Fällt es Ihnen schwer, Opern auf anderen Sprachen zu singen?

Die meisten Opern sind in italienischer, englischer, deutscher oder französischer Sprache. Wenn es aber eine Sprache ist, zu der ich keinen Bezug habe, dann fällt mir das schon ein bisschen schwer. Wenn wir zum Beispiel ein Stück auf in tschechischer Sprache machen – was auch schon öfters vorgekommen ist – fällt mir das schon schwer, weil ich zu dieser Sprache keinen Bezug habe.

Sie haben ja schon oft auf Bühnen gestanden. Sind Sie vor Vorstellungen trotzdem noch nervös?

Ich bin tatsächlich viel weniger nervös als am Anfang, aber es gibt Rollen, vor denen ich nervös bin oder großen Respekt habe. Und meistens habe ich so eine positive Aufregung, die immer da ist – Die braucht man ja auch.

Was macht Ihnen in Ihrem Job am meisten Spaß?

Ich liebe Musik und ich liebe auf jeden Fall diese Kombi aus Musik und Spiel. Und auch dieses ganze Drumherum: Kostüm, Maske, Licht… Ich finde das alles total spannend. Das wird auch nach all den Jahren nicht langweilig.

Welche Musik hören Sie in Ihrer Freizeit?

Ab und zu höre ich klassische Musik – inklusive Opern – aber nicht so oft. Ansonsten höre ich wahnsinnig gerne Jazz oder R&B.

Und was würden Sie den Leser*innen gegen Lampenfieber empfehlen?

Das beste Mittel ist gute Vorbereitung. Das ist das A und O. Wenn du gut vorbereitet bist, dann kannst du trotzdem Lampenfieber haben, es sollte aber nichts schief gehen.

________________________________________________________________________________________________________________

Autor:

Ciara hat ein dreiwöchiges Schülerpraktikum in der Theaterpädagogik absolviert und berichtet von ihren Erlebnissen am Aalto-Theater. Außerdem ist sie Teilnehmerin des Szenen-Workshops im Rahmen des Schulprojekts AkzepTANZ.

Interview mit der Kostümassistentin Amelie Albrecht

Amelie Albrecht ist seit circa sechs Jahren als Kostümassistentin am Aalto-Theater tätig. Zu ihren bisher betreuten Produktionen gehören unter anderem „Norma“, „Lohengrin“ und „Il Trittico“. Ihr Büro befindet sich auf der fünften Etage des Aalto-Theaters in der Kostümabteilung.

Was sind deine Aufgaben als Kostümassistentin am Aalto-Theater?

Ich sag immer so „Ich bin das kreative Mädchen für alles“. Als Kostümassistentin übernehme ich (im Wechsel mit meiner Kollegin) eine Opern- oder Ballettproduktion mit einer Produktionsleitung aus unserer Abteilung. Die Produktionsleitung bestellt dann zum Beispiel Stoffe oder spricht Termine mit den jeweiligen Kostümbildnern ab. Wir Kostümassistentinnen gucken dann schonmal, ob zum Beispiel Stoffe eingefärbt werden müssen, was bearbeitet oder eingekauft werden muss. Hauptsächlich sind meine Aufgaben im kreativen Bereich. Ich arbeite aber natürlich auch manchmal am Computer. Wir bereiten sozusagen das ganze Stück vor und geben es dann in der Hauptprobenwoche an die Ankleider*innen ab und erklären denen, wer was und wann anzieht usw.

Ist das ein Beruf, den du dir als junges Mädchen für dich schon vorgestellt hast?

Ne, eigentlich nicht. Ich wusste gar nicht, dass es den Beruf gibt. Ich wollte immer schon was Kreatives machen aber ich wusste nicht, dass es solche Jobs im Theater gibt. Ich habe erstmal mein Abitur gemacht und bin dann zur privaten Modeschule nach Düsseldorf gegangen. Dort habe ich drei Jahre lang eine Ausbildung zur Modedesignerin gemacht. Dann habe ich allerdings irgendwann gemerkt, dass der kreative Prozess, den ich in der Modeschule gelernt habe, bei den meisten Klamottenlabels nur am Computer stattfindet. Eine Freundin hat mir vorgeschlagen, dass ein Job in einer Kostümabteilung am Theater eine Überlegung wert sei und dann hab ich mir gedacht, dass das eigentlich eine gute Idee wäre… In einem Onlineportal habe ich eine Ausschreibung für ein Jahrespraktikum am Aalto-Theater gefunden und habe mich darauf beworben – und wurde genommen. Das hat mir dann hier richtig Spaß gemacht, weil man auch viel mit anderen Bereichen aus dem Theater zusammen- und intensiv kreativ arbeitet. Nach dem Praktikum hab ich erstmal viele unterschiedliche Jobs gemacht und konnte mir auch viele Bereiche angucken. Allerdings habe mich immer so von Monat zu Monat gehangelt – und dann hat mich irgendwann die damalige stellvertretende Kostümdirektorin angerufen und mich gefragt, ob ich hier als Schwangerschaftsvertretung einsteigen würde. Das hab ich gemacht und im Anschluss eine feste Stelle bekommen. Ich bin auf jeden Fall ziemlich happy, dass ich das gemacht habe und hier an dem Haus bleiben konnte und so nette Kollegen habe!

Du hast ja schon bei einigen Stücken als Kostümassistentin mitgearbeitet. Wie lange braucht man ungefähr, damit die Kostüme für eine Produktion fertig sind?

Wir rechnen immer mit ungefähr einem Jahr . Wir fangen ein Jahr vor einer Premiere schon mit den Planungen an und stellen Kontakt zu den Kostümbildner*innen her. Anfangs gibt es dann eine Kostümabgabe, bei der die Kostümbildner*innen erklären, was für Kostüme die jeweiligen Figuren tragen sollen. So können schonmal Stoffe oder andere Dinge, die man benötigt, bestellt werden. Daraufhin werden die Kostümteile, die fertig besprochen sind, in der Schneiderei angefertigt, oder es werden noch Teile aus dem Fundus rausgesucht, die man für die Produktion gebrauchen kann. Wenn ein Kostüm „fertig“ ist, gibt es dann so drei bis vier Anproben für die jeweiligen Künstler*innen – bis das Kostüm perfekt sitzt. Die Proben starten für gewöhnlich sechs Wochen vor der Premiere. Bis zur KHP (Klavierhauptprobe) sollten alle Kostüme fertig sein. Diese findet meist eine knappe Woche vor der Premiere statt.

Und wo werden all die Kostüme gelagert?

Es gibt Fundus im Aalto- und Grillo-Theater, in denen die Kostüme hängen, die zur „freien“ Verfügung stehen. Kostümteile, die in festen Stücken sind, sind auf fertig gepackten Ständern gelagert und stehen im Abendfundus oder in Rollschränken, die auf mehreren Etagen zu finden sind. Wenn ein Stück zum Beispiel für eine längere Zeit nicht gespielt wird aber noch nicht abgespielt ist, dann sind die Kostüme für dieses Stück bei uns im Keller eingelagert. Dafür stehen vier weitere Räume zur Verfügung.

Welche unterschiedlichen Berufe gibt es in der Kostümabteilung?

Es gibt zwei Kostümassistentinnen, dann gibt es die Produktionsleitungen und die Direktion der Kostümabteilung. Für eine Produktion gibt es immer ein Team aus einem*r Produktionsleiter*in und einer Kostümassistentin, die den Kostümbereich für das Stück leiten und betreuen. Es gibt natürlich die Ankleider*innen, die abends die Vorstellungen betreuen und den Darsteller*innen mit den Kostümen helfen und Kostüme wieder aufarbeiten (waschen, bügeln etc.). Außerdem gibt es noch die Schneider*innen in der Damen- und der Herrenschneiderei, die Gewandmeister*innen, die noch eine spezialisierte Weiterbildung haben, und es gibt noch einen Schuhmacher.

Was passiert mit den Kostümen, die nicht mehr benötigt werden?

Wenn ein Stück abgespielt ist, bekommen wir eine Nachricht vom Intendanten und dann kommen die Kostüme einfach in den Fundus, wo sie für andere Stücke wiederverwertet werden. Wenn der Fundus aus allen Nähten platzt, wird auch schonmal aussortiert.

Muss wirklich jedes Kostüm an jede*n Sänger*in oder Tänzer*in angepasst werden oder werden manche auch einheitlich produziert? 

Jeder, der auf der Bühne steht, kommt zu Anprobe. Manchmal sogar Tiere! Jede*r bekommt ein persönlich auf sie*ihn angepasstes Kostüm. Die Solist*innen und der Chor kommen zu uns, manchmal auch der Extrachor, die Statist*innen, der Kinderchor und mitunter gibt es auch noch externe Musiker*innen, Solist*innen oder Schauspieler*innen. Wir probieren tatsächlich jeden an. Wenn beispielsweise 300 Leute auf der Bühne stehen haben wir circa 300 bis 500 Anproben. Meistens fangen wir dann mit den Chorsänger*innen an, weil es sehr viele sind. Und dann kommen die Solist*innen, weil man bei denen oft auf noch mehr Details achten muss.

Als letzte Frage kommt jetzt noch eine Schätzfrage. Wie viel Kostüme habt ihr ungefähr?

Das ist eine gute Frage – Kann ich gar nicht sagen… Aber es sind auf jeden Fall unglaublich viele, bestimmt über 10.000!

________________________________________________________________________________________________________________

Autor:

Adreana hat ein zweiwöchiges Schülerpraktikum in der Theaterpädagogik absolviert und berichtet von ihren Erlebnissen am Aalto-Theater.

Vorbereitung ist doch keine Arbeit

Meist werden Vorbereitungen oder die Arbeit, die hinter Details liegen, von Außenstehenden gar nicht wahrgenommen. Doch auch Dinge wie Dekoration sind aufwendig und können eine gemütliche Atmosphäre erzeugen: So, dass das Publikum sich beispielsweise wohlfühlt. Auch Kleinigkeiten nehmen oft viel Zeit in Anspruch.

Dekoration für Hexe Kleinlaut
Vorstellungen mit Hexe Kleinlaut sind ein knapp einstündiges Unterhaltungsprogramm, für Kinder. Dafür muss einiges vorbereitet werden. Neben den Darstellern, die ihren Text lernen, den Technikern, die für Ton und Licht sorgen und den Maskenbildnern, die die Darsteller in einen neuen Charakter verwandeln, müssen auch Deko-Elemente für die Kulisse angefertigt werden.
Für das Karnevals-Programm von Hexe Kleinlaut wurden Clowns aus Papptellern aufgepeppt und gebastelt. Außerdem wurden Tiere des Bauernhofes wurden für das Kinderprogramm gezeichnet und bunt gestaltet.

Vorbereitung der Zeichnungen
1. Bilder der gewünschten Tiere aus dem Internet suchen
2. Zeichenart aussuchen, dass alle Bilder einen ähnlichen Zeichenstil haben
3. Skizzen vorzeichnen
4. Skizzen ausbessern, Proportionen anpassen
5. Mit wenigen Strichen originalgroß vorzeichnen
6. Nachzeichnen bzw. Kopie anfertigen
7. Farben anhand der Skizze ausprobieren bzw. aussortieren
8. Farbig malen
9. Schattieren
10. Aufkleben

Diese Diashow benötigt JavaScript.

______________________________________________________________________________

Autor

Michelle absolviert ein dreiwöchiges Schülerpraktikum in der Theaterpädagogik und berichtet von ihren Erlebnissen am Aalto-Theater.

Was zeichnet das Aalto-Musiktheater aus?

Immer wieder lassen sich die Zuschauer von aufgeführten Stücken mitreißen und begeistern. Doch die Harmonie einer Aufführung funktioniert nur durch das offene und soziale Miteinander der Kollegen.Ich durfte einen Einblick hinter die Kulissen erhalten und die Menschen näher kennenlernen. Angefangen bei den Pförtnern, die jeden Tag ein motivierendes „Guten Morgen“ und ein freundliches Lächeln für mich hatten.

Das Verirren im Gebäude hat für mich zur Normalität gehört, aber tatsächlich finde ich den Weg zur großen Probebühne mittlerweile. (Anm. d Red.: Lya hat sich in Wahrheit von Anfang an in unserem Haus so schnell, wie kaum jemand zuvor, zurechtgefunden :-))
Dort durfte ich dann die Proben des neuen Bühnenstücks „Yesterdate“ begleiten.
Geduld war eine der wichtigsten Stärken der Mitwirkenden, vor allem bei dem Ausarbeiten von einzelnen Szenen. Gearbeitet wurde hierbei mit Präzision und Ehrgeiz, selbstständiges Einbringen und Zielstrebigkeit führten zu produktiven Ergebnissen. Mit Humor und Lockerheit machte allein das Zusehen großen Spaß.

Es gab keinerlei Befehle oder Anweisungen, jeder hatte ein Recht auf Mitsprache und Verbesserungsvorschläge. Diskussionen ließen sich natürlich nicht vermeiden, wenn die Meinungen mal auseinandergingen, aber letztendlich nannte sich die Gruppe demokratisch. (Anm. d. Red.: das letzte Wort hat trotzdem immer die Regie ;-))
Die Kollegen haben es kontinuierlich geschafft eine warme Atmosphäre zu erzeugen, in der man sich automatisch wohlfühlt, es lässt sich erkennen, wie viel Zeit und Liebe in die Arbeit gesteckt wird.

Ein rücksichtsvoller Umgang miteinander und Vertrautheit, die teilweise auf langer Zusammenarbeit basiert, sind wichtige Punkte, die in jedem Fall an den Tag gelegt werden.
Theater ist ein Gerüst aus vielen Bereichen, alles hängt zusammen und baut aufeinander auf. Theater heißt Familie, man wird von allen Seiten unterstützt, lernt neue Menschen kennen und wächst zusammen.
Große Anstrengung und, dass kein Aufwand gescheut wird, führt zu großartigen Ergebnissen und machen das Aalto-Musiktheater zu dem, was es heute ist … ein kreativer Ort an dem in der Menge jeder einzelne unverzichtbar ist und wertgeschätzt wird.

(Anm. d. Red.: Wir sind völlig gerührt, wie unsere Probenarbeit auf einen zweiwöchigen Gast wirkt. Wenn man jeden Tag zusammen arbeitet, sind einem die beschriebenen Dinge gar nicht immer bewusst – umso schöner, dass Lya einen so herzlichen Eindruck von unserer Probenarbeit bekommen hat.)

___________________________________________________________________________________________

Autor

Lya absolviert ein zweiwöchiges Schülerpraktikum in der Theaterpädagogik und berichtet von ihren Erlebnissen am Aalto-Theater.

Ein bisschen proben und fertig ist die Oper?!

Wenn man in einer Opernaufführung sitzt, denkt man nicht, wie viel Arbeit hinter einer Opernproduktion steckt. Gut, die Künstler werden ein bisschen proben, denkt man, und irgendjemand wird sich auch ums Bühnenbild und die Kostüme kümmern.
Aber wie lange dauert es wirklich, bis eine Produktion es auf die Bühne schafft?
In meiner Praktikumszeit hat die Premiere der Oper „Medea“ von Aribert Reimann stattgefunden, die erst 2010 in Wien uraufgeführt wurde und daher für fast alle SängerInnen noch unbekannt war. Lediglich die Darstellerin der Medea hat diese Partie bereits vorher in Frankfurt und Wien gesungen und kam extra für diese Oper an das Aalto-Theater.

Anderthalb bis zwei Jahre vor der Premiere wird beschlossen, dass eine Oper am Aalto-Theater aufgeführt werden soll. Für die Oper Medea bedeutet das, dass erste Planungen bereits im Jahr 2017 begannen. Es wird ein Konzept entwickelt und die entsprechenden Darsteller für die Rollen ausgewählt. Außerdem wird das Bühnenbild entworfen. Der Bühnenbildner baut ein Modell von diesem, woraufhin die Werkstätten schauen, inwiefern die Idee verwirklicht werden kann und welches Budget dafür verwendet werden muss. Nach dem Modell wird dann das Bühnenbild gebaut. All diese Aspekte werden bereits ein Jahr vor der Premiere bearbeitet.
Da Medea eine moderne Oper ist, die im Repertoire der meisten Darsteller noch nicht vorhanden ist, begannen bereits vor der Sommerpause erste Proben mit den Solisten und den Korrepetitoren. Diese üben mit den Solisten ihre Partie, damit sie diese bei den Endproben sicher beherrschen.

Sechs Wochen vor der Premiere beginnen die eigentlichen Proben. Dazu findet zunächst ein Konzeptionsgespräch mit dem Regieteam, dem Intendanten und den Darstellern statt, bei welchem das Regiekonzept erläutert wird. Ab diesem Zeitpunkt finden die Proben auf der großen Probebühne statt, zunächst noch in provisorischen Kostümen und Bühnenbildern.

In den zwei Wochen vor der Premiere konzentrieren sich die Aufgaben dann auf die Endproben mit allen künstlerisch Beteiligten auf der großen Bühne. Nachdem zunächst die Proben mit den Solisten, gegebenenfalls mit dem Chor, dem Regisseur, dem Souffleur sowie einem Pianisten stattfinden, beginnen die Proben mit dem Orchester. Jetzt tragen die Darsteller auch ihre Kostüme, das vollständige Bühnenbild ist auf der Bühne. Zur Klavierhauptprobe und Orchesterhauptprobe, spätestens aber zur Generalprobe fügen sich die Einzelstücke zusammen und man sieht das Ergebnis der vielschichtigen und langen Arbeit vieler Beteiligter, welches die Zuschauer dann bei der Premiere auf der Bühne bewundern können.

____________________________________________________________________________________________

Autor
Lena ist Studentin und absolviert ein dreiwöchiges Praktikum in der Theaterpädagogik und berichtet von ihren Eindrücken am Aalto-Theater.

Sitze ich jetzt gerade in einer BO, OHP oder doch in einer GP?

Schon während der ersten Tage meines Praktikums habe ich gelernt, dass im Theater nichts ohne Abkürzungen läuft. Alle werfen mit Begriffen wie OHP, GP, oder BP um sich und man steht dazwischen und fragt sich nur, wovon diese Leute gerade um Himmels Willen reden.

Zum Glück wurden mir dann eine ganze Reihe solcher Abkürzungen erklärt. KHP ist die Abkürzung für Klavierhauptprobe. Da wird das erste Mal das gesamte Stück im Ablauf mit Kostüm, Maske und Licht auf der Bühne geprobt – ohne Orchester aber mit Klavier. Unter OHP versteht man Orchesterhauptprobe, die auf der Bühne mit allen Darstellern, Kostümen, der Maske und natürlich dem Orchester auch noch Unterbrechungen beinhaltet, wenn es zu musikalischen Unreinheiten kommt. Die GP ist die Generalprobe, die meistens einen Tag nach der OHP stattfindet und bei welcher die Darsteller ihre Originalkostüme tragen. Außerdem ist dies die letzte Probe vor der Premiere. Die Premiere ist die Erstaufführung, die mit PREM abgekürzt wird. Doch bevor es soweit ist, sind noch viele Schritte nötig. Einmal gibt es noch die BP (Bauprobe), die ca. 1 Jahr vor der Premiere stattfindet und bei der die Kulissen schon Mal grob auf die Bühne gestellt werden und dann grundlegend geschaut wird, ob diese zueinander passen. Dann gibt es auch noch die Beleuchtungsprobe (BEL), bei der die einzelnen Beleuchtungseinstellungen und Lichtstimmungen nur mit Statisten geprobt werden. Grundlegend dafür ist die BELE (Beleuchtungseinrichtung), bei der alles für die BEL vorbereitet wird. Zusätzlich zu einer BEL findet man meist auch noch eine BELKOR, was für eine Beleuchtungsprobe mit Korrektur steht. Des Weiteren findet man auch noch die BO (Bühnenorchesterprobe), bei der das Orchester mit den Sängern in Alltagskleidung und ohne die Beleuchtung probt. Zudem sind auch noch der TA und die TE von Bedeutung. TA bedeutet Technischer Aufbau und hierbei wird die Technik erstmal aufgebaut. Bei der Technischen Einrichtung werden konkretere technische Einstellungen festgelegt.

Vor jeder Vorstellung findet eine 30-minütige EF für die Oper statt. Doch Achtung! dies ist nicht die EF aus der Schule, sondern die Abkürzung für Einführung. Die Matinée (MAT) findet in der Regel eine Woche vor der Premiere am Sonntag um 11 Uhr statt. Dies ist eine öffentliche Veranstaltung, bei der die Dramaturgen beispielsweise die Darsteller oder Sänger interviewen.

Sollte eine Vorstellung mit der Bezeichnung ZLM versehen sein, dann bedeutet dies, dass diese Oper/dieses Musical zum letzten Mal gespielt wird. Im Unterschiede zu ZLM bedeutet ZLMSP, dass das Werk zum letzten Mal in dieser Spielzeit aufgeführt wird. WA ist die Abkürzung für Wiederaufnahme, was bedeutet, dass ein Werk wieder auf den Spielplan genommen wird. Die WAGP (Wiederaufnahmegeneralprobe) ist, wie der Name schon sagt, die Generalprobe für das Stück, welches wiederaufgenommen wird.

Auf vielen Spielplänen eines Musikers findet man die Begriffe KZT, SiKo und KaKo, die für ein Konzert, ein Sinfoniekonzert und ein Kammerkonzert stehen. Am Ende gibt es noch die Abkürzung GS (Gastspiel), die verwendet wird, wenn ein Stück außerhalb des eigenen Theaters aufgeführt wird.

__________________________________________________________________

Autor

Lina absolviert ein zweiwöchiges Schülerpraktikum in der Theaterpädagogik und berichtet von ihren Erlebnissen am Aalto-Theater.   

Glück auf, Glück auf! Der Steiger kommt…

… oder vielmehr: Hexe Kleinlaut und Fräulein Vorlaut kommen, und zwar mit dem Kinderprogramm „Zollverein – Die schönste Zeche der Welt“. Ausgerüstet mit Schutzbrille und Taschenlampe bahnen sie sich einen Weg zwischen den jungen Zuschauern hindurch, um die Bühne zu erreichen, die wie eine Mischung aus Oma Trudes Wohnzimmer und einem Lager für Bergbau-Ausstattung aussieht.

2018 wird mit der Zeche Prosper-Haniel in Bottrop die letzte Zeche im Ruhgebiet geschlossen, auf Zeche Zollverein war schon 1986 Schicht im Schacht. Das hat die TUP zum Anlass genommen, die Festwoche KUNST⁵ unter das Motto „HeimArt“ zu stellen. Und auch Fräulein Vorlaut (im Aalto-Theater) und Hexe Kleinlaut (auf dem Welterbe Zollverein) haben sich mit dem Thema „Zeche und Kohle“ auseinandergesetzt.

Fräulein Vorlaut und Hexe Kleinlaut sprechen mit ihren Zuschauern – im Grundschul- und Kindergartenalter – über die Entstehung von Kohle, über die Werkzeuge der Bergleute und die Bergmannssprache, die oft als „hart aber herzlich“ bezeichnet wird. So gibt es den sogenannten „Weiberarsch“, eine Kohlenschüppe, die eine entsprechende Form aufweist…

28460410_1583445395064499_121586241_o

Der „Weiberarsch“ war auch bei Nachbesprechungen in der Schule ein Thema

Es wurde aber auch über viele weitere typische Begriffe aus dem Ruhrgebiet gesprochen: Wisst ihr, was „Kokolores“ ist? Oder was es bedeutet, wenn viel „Tinnef“ herumsteht, es draußen „dröppelt“ und die Kinder ständig „gibbeln“? (Auflösung siehe unten)

Dass es jetzt unter uns wie ein Schweizer Käse aussieht, haben wir den Bergleuten zu verdanken, die jahrzehntelang das Ruhrgebiet auf der Suche nach Kohle ausgehöhlt haben. Aber wie wurde die Kohle überhaupt entdeckt? Hier eine Kurzfassung des Märchens „Schweinehirt Jörgen entdeckt die Kohle“, das Hexe Kleinlaut und Fräulein Vorlaut zum Besten gegeben haben:

Es war einmal an einem Winterabend vor langer Zeit. Jörgen hatte den ganzen Tag über Schweine gehütet und wollte nun eine Kuhle graben, um darin Brennholz zu entzünden. Da sah er, dass eines der Schweine schon ein Loch gewühlt hatte, also entzündete er dort ein Feuer. Nach der Mahlzeit kroch er unter seine Decke und schlief ein.

Als Jörgen am Morgen erwachte, staunte er nicht wenig: die schwarzen Steine, auf denen er das Feuer entzündet hatte, glühten und funkelten in den schönsten Farben und gaben Wärme ab. Er konnte es kaum fassen und hielt diese seltsamen schwarzen Steine für verhexte Zaubersteine; daher verließ er mit seiner Schweineherde eilig diesen unheimlichen Ort.

Am nächsten Tag jedoch geschah das gleiche, wieder fand er morgens glühende Steine auf seiner Feuerstelle. Nun war Jörgen nicht mehr so ängstlich, nahm ein paar der Steine mit ins Dorf und berichtete den staunenden Leuten von seiner Entdeckung. Diese wollten nun ebenfalls solche Wundersteine besitzen, Jörgen zeigte ihnen die Stellen, und die Leute sammelten sie auf und nahmen sie mit nach Hause. Dort erfreuten sie sich an den wärmenden Zaubersteinen, mit denen sie vortrefflich heizen konnten.

 Und natürlich wurde für und mit den Kindern gesungen! Passend zum Thema gibt es eine – von Marie-Helen Joël und Heribert Feckler – komponierte „Zollverein-Hymne“. Zu den Liedzeilen „Wir sind Feuer und Flamme für immer – Kumpel wollen wir sein – Die schönste Zeche auf Erden – bleibt immer Zollverein!“ kann kräftig mitgeschunkelt werden und bei dem Lied „Es geht weiter“ wird ein Blick auf die Zukunft des Ruhrgebiets geworfen. Denn: „Den Blick nach vorn, den hab’n wir nie verlor’n“ 😉

Diese Diashow benötigt JavaScript.

Lösung zum Wort-Quiz: Kokolores = Unsinn, Tinnef = unnützer Kleinkram, dröppeln = leichter Regen, gibbeln = kichern

__________________________________________________________________

Autor

Jana studiert Musikpädagogik und hat in ihren Semesterferien ein vierwöchiges Praktikum in der Theaterpädagogik gemacht. Hier schreibt sie von ihren Eindrücken und Erlebnissen.

Wie wird man eigentlich Fräulein Vorlaut, Marie-Helen Joël?

Nicht nur den Stadtgarten hat sie von ihrem Büro in der sechsten Etage des Aalto-Theaters gut im Blick. Auch weiß sie immer, wie man die Menschen begeistern kann – egal welche Oper und welche Altersklasse es betrifft. Marie-Helen Joël, seit der Spielzeit 1993/1994 als Sängerin an der Essener Bühne engagiert, ist seit 2011 zugleich auch die Leiterin der Theaterpädagogik. Nach den erfolgreichen Jugendprogrammen wie „Rockin’ the stage“ und dem Familienmusical “Die Märchenwelt zur Kur bestellt“ inszeniert die gebürtige Aachenerin in der kommenden Spielzeit die Oper ”Hänsel und Gretel“ von Engelbert Humperdinck, in der sie auch selbst als Mutter zu sehen sein wird. Nicht nur in diese Rolle schlüpft die verwandlungsfähige Sängerin und Theaterpädagogin – auch Fräulein Vorlaut und Hexe Kleinlaut, die Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen die Welt der Opern in eigenen Formaten näher bringen, stecken in ihr drin. Wie kommt man zu einem so vielfältigen Job? Johanna Renner hat während ihres zweiwöchigen Schülerpraktikums bei Marie-Helen Joël nachgefragt. 

MH und Johanna

Marie-Helen und Johanna im Büro der Theaterpädagogik

Frau Joël, Sie singen, Sie schauspielern, Sie konzipieren, Sie organisieren, Sie lehren – wie kommt man zu einem so abwechslungsreichen Job im Theater?

Ich habe erst Schulmusik gemacht, weil ich immer schon gerne mit Menschen zusammen gearbeitet oder mich ausgetauscht habe. Bei dem Schulmusikstudium habe ich dann gemerkt, dass ich sehr gut singen kann. Ich habe mich dann entschlossen, noch ein Aufbaustudium für Gesang nach dem Abschluss des Schulmusikstudiums anzuhängen. Nach dem Studium habe ich dann zunächst zwei Jahre musikalische Früherziehung mit Kindern gemacht, dann aber eine Stelle an der Oper in Bonn bekommen. Dort hab ich dann wirklich erst nur als Sängerin gearbeitet. Ich hatte mich damals bewusst gegen den Schuldienst entschieden und wollte in diesen pädagogischen Bereich auch erst mal nicht mehr rein. Als ich dann ziemlich viel im Solobereich gemacht habe, auch hier in Essen später, habe ich aber gemerkt, dass ich irgendwie wieder den Weg zurück und mit Menschen gerne Sachen erarbeiten und ihnen Musik vermitteln möchte. Und so bin ich dann eben auf die Idee gekommen: In der Musikhochschule in Detmold gibt es einen Masterstudiengang für Musikvermittlung und Konzertpädagogik – und dann habe ich das studiert und den Master gemacht.

Und wie sind Sie dann nach Essen gekommen?

Es kam in der Zeit dann gerade genau aus, dass hier in Essen eine Stelle als Theaterpädagoge am Aalto-Theater frei wurde – die Chance habe ich dann genutzt. Jetzt bin eben in einer Doppelfunktion als Sängerin und Theaterpädagogin hier im Haus tätig. Und das ist eigentlich das Tolle: Ich musste mich nicht entscheiden, ob ich lieber singe oder lieber Theaterpädagogin bin – ich darf jetzt beides machen.

Was sind denn so die Aufgaben eines Theaterpädagogen?

Oh (muss lachen), die sind wirklich sehr vielfältig. Man kann sie sich ein bisschen selber definieren. Die Grundaufgabe eines Theaterpädagogen ist natürlich die Kunstform, in unserem Fall der Oper, zu vermitteln – egal ob Kindern, Erwachsenen oder Jugendlichen. Einfach den Zugang zu vermitteln: Welche Geschichte erzählt die Oper, was hat der Komponist sich dabei gedacht, in welcher Zeit ist sie entstanden – all solche Dinge. Hier in unserer Abteilung machen wir das in der Form, dass wir sehr viele Konzerte anbieten für unterschiedliche Altersklassen. Das haben wir unterschiedlich gestaffelt: für 3-6-Jährige, für 6-10-Jährige und für Kinder und Jugendliche ab 10 Jahren. Auch für Erwachsene haben wir einige Angebote:  Da gibt es manchmal die Konzertform und manchmal mehr so eine Art Gesprächsrunde. Wir haben da verschiedene Formate.

Und was macht am meisten Spaß davon?

Das ist eine gute Frage…kann ich eigentlich gar nicht sagen. Mir macht alles Spaß, vor allem in dem Moment wo ich in einem Projekt drin stecke. Vorher denke ich oft: „Oh, noch die ganze Arbeit“, aber wenn ich es dann mache, ist es eigentlich immer super. Das hab ich nur ganz selten, dass mir da etwas nicht gefällt.

Miss Betterknower und Fräulein Vorlaut, die von ihrer Kollegin Christina Clark und Ihnen verkörpert werden, sind am Aalto-Theater ja längst feste Größen. Wie kam die Idee zu diesen beiden Figuren zustande?

Vor bestimmt 10 Jahren haben Christina Clark und ich zwei Hexen erfunden: die Hexe Kleinlaut und ihre Freundin Crizzy. Das war für 3-6-Jährige, wobei wir kleine Opernformate gemacht haben. Dann haben wir festgestellt, dass das bei den Kindern super ankommt und gedacht: Ok, wir brauchen noch Figuren für die älteren Kinder. Da wollten wir nicht bei den Hexen bleiben, sondern haben uns entschieden, zwei neue Figuren zu entwickeln – und ich denke mal, die Rollen von Miss Betterknower und Fräulein Vorlaut sind uns auch „auf den Leib geschnitten“. Fräulein Vorlaut ist so eine besserwisserische Lehrerin, die immer Vorträge hält, und Miss Betterknower ist so eine elegante englische „Schnepfe“, die meint, sie wüsste alles besser. Ihre Qualitäten liegen aber mehr so im Bereich Mode und Anekdoten, während Fräulein Vorlaut den wissenschaftlichen Aspekt in alle Sachen reinbringt. Mit den beiden haben wir sehr viele Konzerte für Grundschüler erfunden und haben dann von Erwachsenen die Anfrage bekommen, ob wir nicht mit diesen Figuren auch etwas für die ältere Zielgruppe machen können. So ist die Idee entstanden „It’s Teatime“ anzubieten – ein sehr gut angenommenes Format, mit dem wir Freitagsnachmittags vor Premieren in die neue Operninszenierung einführen.

Ist es schwierig zwischen den Erwachsenen und den Kindern zu trennen?

Ich finde, wenn man mit einem Kind in die Veranstaltung „It’s Teatime“ kommt, dann sind da einfach viele Witze, die für die Erwachsenen relevanter sind. Wenn wir sehen, dass auch viele Kinder unter den Besuchern sind, versuchen wir schon auch darauf einzugehen. Aber man muss schon sagen, dass der Inhalt der Oper oder das Leben des Komponisten nicht so Sachen sind, die so spannend sind für die Kleinen – es sei denn, man bereitet sie speziell für die Kinder und ihren Erfahrungsschatz auf, wie wir es eben in den Formaten für Ihre Altersklassen tun. Übrigens: Wir versuchen immer, unsere Kinderstücke so aufzubereiten, dass alle Spaß daran haben – Kinder, Eltern und natürlich auch wir selbst.

Aus eigener Erfahrung kann ich sagen: Das klappt ja auch sehr gut! 

Es macht auch immer sehr viel Spaß 🙂

Danke für das Interview – und grüßen Sie Miss Betterknower und Fräulein Vorlaut!

Advent_Advent_87_Hamza_Saad

Miss Betterknower (Christina Clark) und Fräulein Vorlaut (Marie-Helen Joël)
 © Saad Hamza

__________________________________________________________________

SERVICE:

Wer Miss Betterknower und Fräulein Vorlaut live erleben möchte, findet ihre Auftrittstermine und Termine für weitere interessante Einführungsveranstaltungen und Führungen

__________________________________________________________________

Autor
Johanna hat ein zweiwöchiges Schülerpraktikum in der Theaterpädagogik absolviert und berichtet von ihren Erlebnissen am Aalto-Theater.